Los orígenes del tap dance

Los orígenes del tap dance

Los orígenes del tap dance

¿Qué es el Tap Dance?

El tap dance o baile claqué es un género de danza estadounidense que evolucionó durante un período de unos trescientos años. Inicialmente, una fusión de las tradiciones musicales británicas y de África occidental, en América surgió en el sur de los Estados Unidos en el siglo XVIII. Irish jig de Irlanda (una forma musical y de baile) y el Gioube de África occidental (danzas sagradas y seculares) mutaron en American jig and juba estadounidenses. Estos, a su vez, se fusionaron en una forma de baile llamada “jigging” que, en la década de 1800, fue adoptada por bailarines que desarrollaron el tap en un popular espectáculo escénico del siglo XIX.

La evolución del baile claqué

Los primeros estilos de baile tap utilizaban zapatos de suela dura, zuecos o botas con clavos. No fue sino hasta las primeras décadas del siglo XX que las placas de metal (claquetas) aparecieron en los zapatos de los bailarines en el escenario musical de Broadway.
Fue alrededor de esa época que se desarrolló como una forma musical paralela a la música jazz, compartiendo motivos rítmicos, polirritmos, elementos de swing e improvisación.
A finales del siglo XX, el tap dance se incluyó en musicales y salas de conciertos. Su absorción de los ritmos latinoamericanos y afrocaribeños en los años cuarenta ha favorecido su complejidad rítmica.

Baile tap dance esclavos

A diferencia del ballet, con su codificación de la técnica formal, el tap dance se desarrolló a partir de personas que se escuchaban y se miraban bailar en la calle, el salón de baile o el club social donde se compartían, robaban y reinventaban los pasos. La “técnica” se transmite visual, sonora y corporalmente, en un intercambio rítmico entre bailarines y músicos. La imitación es necesaria para el dominio de la forma. El proceso dinámico y sinérgico de copiar al otro para inventar algo nuevo es lo más importante para el desarrollo del tap. Las historias orales y escritas de tap dance están repletas de batallas de baile, desde competencias de jigging en la plantación que fueron organizadas por amos blancos para sus esclavos, hasta prácticas en la calle, exhibiciones en los clubs sociales, al escenario de vodevil. También hay ejemplos contemporáneos de competiciones de claqué, en las que los bailarines se centran en mostrar virtuosismo técnico. Pero no importa el concurso, todos los bailes de tap requieren la capacidad de mirar, escuchar, copiar, modificar creativamente y perfeccionar aún más lo que haya sucedido antes.

Como dijeron en el Hoofer’s Club en Harlem en la década de 1930, donde los bailarines de claqué se reunieron para practicar sus pasos y competir: “No copiarás los pasos de nadie,
¡exactamente!”

En esta foto, casi de espaldas, el bailarín de tap Harold Nicholas y, de izquierda a derecha, Sandman Simms, Jimmy Slyde, de pie Steve Condos, Bunny Briggs.

Bailarines tap baile

La cultura africana en la historia del baile tap en América

La influencia de las sociedades africanas en la música de América ha sido fundamental, especialmente en sus aspectos rítmicos y sentimentales. Ello ocurrió sobre todo con la llegada a América de pobladores de África Occidental durante la ominosa trata de esclavos de los siglos XVII y XVIII.
En las culturas africanas, los tambores no son simplemente un instrumento de percusión para marcar los ritmos musicales. Son también instrumentos de comunicación y de expresión, extensiones del cuerpo de profundos significados. Por ello, entre los esclavos, la utilización del cuerpo para generar sonidos, seguramente, se convirtió en una forma alternativa de comunicación y de creatividad rítmica, una respuesta ante las prohibiciones y carencias instrumentales que se debieron generar con los rigores y las arbitrariedades de la esclavitud.

Un recorrido a través del tiempo y del baile claqué

1600s y 1700s: Jig y Gioube

Ya en los años 1500 cuando los esclavos africanos enviados a través del Océano Atlántico, fueron obligados al “ejercicio” bailando durante dos horas con el acompañamiento de gaitas, arpas y violines. En ausencia de tambores tradicionales, los esclavos bailaban con la música de cubos. Los marineros que presenciaron estos eventos se encontraban entre los primeros observadores blancos que luego servirían como árbitros sociales, espectadores y participantes en los bailes de esclavos de las plantaciones. Al llegar a América del Norte y las Indias Occidentales, los africanos también se vieron expuestos a bailes europeos como la cuadrilla y el cotillón, que adoptaron manteniendo las figuras y los patrones, pero conservando sus ritmos africanos.

En la década de 1650, durante la Guerra entre Inglaterra y España (1641-54) y bajo el mando de Oliver Cromwell, después de deportar a los hombres, Cromwell logró deportar a las viudas, esposas abandonadas y familias indigentes de soldados que quedaron atrás. A partir de entonces, miles de hombres, mujeres y niños irlandeses fueron secuestrados, deportados, exiliados, en las nuevas islas de tabaco inglesas del Caribe.
En unos pocos años, se arrojaron proporciones sustanciales de africanos en su mayoría de la costa atlántica a los llamados barcos ataúd y se transportaron al Caribe. En un ambiente dominado por el propietario de la plantación de azúcar inglesa, los sirvientes contratados irlandeses y los esclavos de África Occidental trabajaban y esclavizaban juntos.
“Durante todo un siglo, estas dos personas se quedan en el campo para mezclar y cultivar algo completamente nuevo”.
El intercambio cultural entre los africanos esclavizados de primera generación y los irlandeses continuaría hasta fines del siglo XVII en las plantaciones y en los centros urbanos durante la transición de la servidumbre contratada blanca al trabajo esclavo africano.

También se rebelaron juntos. La rebelión del día de San Patricio de 1741 en Nueva York fue dirigida por John Cory, un maestro de danza irlandés, y César, un africano libre, que juntos quemaron los símbolos del gobierno británico, la mansión del gobernador y el arsenal principal. Corey y César murieron juntos en la brutal represión que siguió.

Jigging and Juba

Los irlandeses y los africanos esclavizados se enorgullecían de sus habilidades, como bailar mientras balanceaban un vaso de cerveza o agua sobre sus cabezas, mientras cantaban. Algunos sostienen que los bailes de pavoneo de los esclavos eran para imitar y satirizar los modales de sus amos blancos. Y que los africanos pueden haber transformado la costumbre irlandesa de saltar la escoba en su propia ceremonia de boda no oficial en un momento en que a los esclavos se les negaba los ritos cristianos.
El estilo de baile afroamericano que inclinaba y relajaba el torso, el movimiento centrado en las caderas y favorecía el deslizamiento de pies planos, arrastrar y arrastrar pasos, se fusionó con el estilo de baile irlandés-estadounidense que endureció el torso, minimizado. movimiento de la cadera, y enfatizó el juego de pies diestro que favorecía los saltos y arrastrar los pies.

1800

“Jigging” se convirtió en el término general para este nuevo híbrido de percusión estadounidense que fue reconocido como un estilo de baile “negro” “black” style of dancing en el que el cuerpo estaba doblado por la cintura y el movimiento estaba restringido de la cintura para abajo. Esto hizo posible que el bailarín produjera un movimiento rápido y rítmico en los pies. Las competiciones abundaban en las plantaciones de esclavos donde se animaba y a menudo se imponía el baile.

Clog and Hornpipe

“The Lancashire Clog” fue otra forma de percusión que contribuyó a la mezcla durante este período. Bailada con zapatos de suela de madera, el Clog llegó a América desde la región de Lancashire de Inglaterra en la década de 1840 y en los siguientes cuarenta años había evolucionado rápidamente hacia estilos nuevos como el Hornpipe, y el Waltz Clog. The Clog también se fusionó con formas de jigging para producir una variedad de estilos de percusión que van desde bailes de salón con juegos de pies y figuras hasta solos competitivos que fueron realizados por hombres en la frontera. Sin embargo, ninguna de estas formas de percusión tenía ritmo sincopado; en otras palabras, todos carecían de ritmos oscilantes que luego se presentarían en formas de percusión como las danzas Buck and Wing y Essence que conducirían al Soft Shoe.
A partir de la respuesta creativa y desafiante ante la pérdida de la libertad, se fueron perfilando nuevas formas de entretenimiento colectivo, configurándose estos movimientos y sonidos rítmicos como una danza, la denominada pattin’ juba. En ella se creaba, mediante aplausos y golpes en diversas partes del cuerpo, un patrón de sonidos musicales que utilizaban los esclavos en sus reuniones de entretenimiento. Al mezclarse con otras danzas europeas en Estados Unidos, aparece el juba, género en el cual se destacó William Henry Lane, un afro‑descendiente conocido como máster juba, un claro antecedente del claqué.

Actuación baile tap Pell Serenaders
Folleto de los Pell Serenaders, con quien Boz Juba actuaba en 1848.

Era la época de los Minstrel shows, originales espectáculos muy norteamericanos, en los cuales se presentaban piezas de naturaleza cómica y más bien racista, con bailes y música interpretada por blancos con las caras pintadas de negro, satirizando y ridiculizando a los negros. En este ambiente se popularizó el Juba, ya con el ánimo de representar algo más auténtico, dando pie a la participación de la población afrodescendiente en los shows, destacándose Lane, el Máster Juba, quien era el más connotado exponente de la danza negra en su momento.

Hasta aquí nuestro repaso a la historia del tap dance desde nuestra escuela de baile en Valencia. ¿Quieres seguir descubriendo más cosas interesantes? Te invitamos a leer un artículo sobre la historia del bailarín de claqué Henry Lane.

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